Written for and premiered by Great Noise Ensemble on May 18, 2008 at the National Gallery of Art. Previewed by Great Noise Ensemble at the second annual Capital Fringe Festival (July 25, 27, and 29, 2007) and by the Society for New Music in Syracuse, NY (October 16 and 24, 2007).

In the fall of 2006 I was teaching a course on the history of the symphony from its origins in Italian opera through to its apparent decline and transformation in the late 20^th century.  The process of teaching this course led me to want to engage the symphonic tradition for the first time since my student days.  Unlike the two symphonies I wrote as a student, which approached the symphonic tradition from an early 20^th century perspective informed by Mahler, Shostakovich and Sibelius, the Chamber Symphony seeks to engage this tradition from a contemporary perspective.  It is scored for a sixteen-piece chamber orchestra rather than a traditional symphony orchestra and a lot of the ensemble writing is lithe and virtuosic, meant to showcase the abilities of the Great Noise Ensemble, for whom the work was written.

The “Illusory Airs” of the subtitle refers to a melody which, while providing the basis for all of the melodic and harmonic material in the entire symphony, is never fully heard in the piece.  In this way, the Chamber Symphony evokes the ways in which we are increasingly connected to people throughout the world through wireless communication and the internet while at the same time remaining surprisingly and increasingly isolated from one another in physical space.   

The first movement, “Hastening Spells,” is primarily concerned with a process of pulse acceleration while maintaining an even tempo throughout.  The result is a piece of increasing tension as events occur at progressively hastening rates.  This gives way, without pause, to a more lyrical movement, “Chanson oubliée” (forgotten song) which presents a transformation of the “illusory air” at the symphony’s core.  The effect is of hearing a melody at once new and familiar.  Throughout this “forgotten song” the percussion, guitar and piano, which throughout the symphony work together as a rhythm section, provide bell chords which serve as a ground bass for the evolving aria.  

The title of the finale, “Lieto Fine,” refers to a specific type of symphonic finale typical of 18^th century symphonies.  These are the traditional “happy endings” of Haydn’s, Mozart’s and Beethoven’s major key symphonies and are traditionally lithe and vibrant in character.  The term here is meant somewhat ironically as the apparent joy prevalent in the movement’s rhythmic vitality is obliterated by the return of the first movement (itself a move reminiscent of 19^th century symphonic models, particularly Brahms’s Third Symphony and Tchaikovsky’s Fourth Symphony), after which the finale cannot return to the mood of careless abandon in which it started, despite the valiant efforts of the woodwinds and rhythm section and the symphony ends in a lonely, unresolved note.